Esta mostra, complementada com obras da Coleção MAC de Niterói (constituída por doações de artistas), pretende oferecer ao visitante um panorama de importante momento de nossa história, sobretudo quando testemunhamos o interesse cada vez maior pela arte brasileira em todo o mundo.

(Pinturas e Esculturas)
Espaço: 2º piso do museu (Mezanino)

mac@macniteroi.com.br | www.macniteroi.com.br

Ever since its foundation, the Observatory has striven to train youths from poorer backgrounds, above all towards the construction of their own independence and control over their own development in different cultural and artistic practices, especially in the field of photography and video. The educative process of these youths is shaped by links between the world of life and the imaginary dimension from which they appropriate and unveil as social practice. Highlighted on this path is the encounter between differences and the plurality of subjectivities of actors and acts in shared scenarios of knowledge, craft and creation. Therefore, the educative process of the product of the education are intimately related, partners, inseparable.

The aim, therefore, is to prepare individuals capable of developing innovative, critical and transformative aesthetic experiences and representations. It is the acting of addressed beings, since their references report to the everyday life in the favelas and poor outskirts and, above all, to the recognition of these areas as centralities of urban culture. We are faced with a dispute of the imaginary dimension in the city, striving to overcome the stigmas and stereotypes that stain the favelas and poor city outskirts, and stain the youths who live there. What’s more, it’s the vitality of the encounters between the experiences and representations, constructed by the youths and with the youths, that reveals the opportunities of transformative recreation of the society. In other words, evoking images for us has a dual meaning – aesthetic and political – in the process of production and communication.

This political-philosophical line of action is manifest in the Observatório de Favelas Projects and Programs, such as Travessias (Crossings), Imagens do Povo (Images of the People) and Solos Culturais (Cultural Grounds), which present exercises of sensitive recordings of the living world.

To participate in the Processes in Image Exhibition at the Museu de Arte Contemporânea is for us an immense pleasure and, at the same time, a unique opportunity for the recognition of the multiple forms of seeing, doing and living in our cities.

Jorge Barbosa

Director of the Observatório de Favelas

]]> http://www.macniteroi.com.br/?feed=rss2&p=1058 0 http://www.macniteroi.com.br/?p=1047 http://www.macniteroi.com.br/?p=1047#comments Sat, 20 Apr 2013 21:40:26 +0000 mac http://www.macniteroi.com.br/?p=1047 Criado em 2001, o Observatório de Favelas é uma organização da sociedade civil dedicada à produção do conhecimento e à ação pública no âmbito dos direitos humanos, da educação, da política urbana, da comunicação e das artes.

Desde sua fundação, o Observatório prima pela formação de jovens de espaços populares, sobretudo na perspectiva da construção de sua autonomia e protagonismo em diferentes práticas culturais e linguagens artísticas, notadamente no campo da fotografia e do vídeo. O processo formativo desses jovens se  configura das tessituras entre o mundo da vida e o imaginário que dele se apropria e o desvela como prática social. Valoriza-se, no percurso anunciado, o encontro de diferenças e a pluralidade de subjetividades de atores e atos em cenas compartilhadas do saber, do fazer e do criar. Desse modo, o processo de formação e o produto da formação são íntimos, parceiros, indissociáveis.

Busca-se, portanto, a constituição de sujeitos capazes de elaborar representações e experiências estéticas inovadoras, críticas e transformadoras. É o agir de seres endereçados, uma vez que suas referências se reportam ao cotidiano das favelas e das periferias e, sobretudo, ao reconhecimento desses territórios como centralidades da cultura urbana. Estamos diante de uma disputa de imaginário na cidade, buscando superar os estigmas e estereótipos que marcam as favelas e periferias, assim como marcam os jovens que nelas habitam. E mais, é da vitalidade dos encontros entre as experiências e as representações construídas – a partir dos jovens e com os jovens – que se descortinam as possibilidades de recriação transformadora da sociedade. Ou seja, evocar imagens para nós tem um sentido duplo – estético e político – em seu processo de produção e comunicação.

Essa linha político-filosófica de atuação está presente em projetos e programas do Observatório de Favelas, tais como o Travessias, o Imagens do Povo e o Solos Culturais, que apresentam seus exercícios de registros sensíveis do mundo da vida.

Participar da mostra “Processos em imagem”, no Museu de Arte Contemporânea, é para nós uma imensa alegria e, ao mesmo tempo, uma oportunidade ímpar para o reconhecimento da pluralidade dos modos de ver, fazer e viver em nossas cidades.

Jorge Barbosa

Diretor do Observatório de Favelas

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Se por um lado, Charif é ao mesmo tempo estrangeiro e cidadão do mundo globalizado, transeunte e pedestre dos conflitos entre nomadismo e não pertencimento, esquecimento e memória, que regem a vida contemporânea. Por outro, através de suas investigações estéticas e sociais, do Harlem aos semitas, das luzes às raízes, atravessam camadas da sua arqueologia milenar de origem judaica. Transitam no foco de seu olhar fluxos de uma vontade estética transcultural que revela em imagens as zonas de invisibilidade das migrações e miscigenações. Charif faz da Polaroid um aparato de extensão e construção reflexiva de sua subjetividade geradora de fixações fugazes de si mesmo sobre o tempo do real e da rua, da ambiguidade material lúcida do mundo e de seus simulacros.

Os processos em imagens do Observatório que habitam a varanda não trazem respostas, mas relatos e testemunhas de sujeitos de sua transformação. Com o trabalho e percurso deste Observatório, ou melhor, “laboratório do amanhã” oferecemos ao visitante um mirante sobre as microgeografias da alegria como forma de transfigurações entre lugar comum e arte. Se para Espinosa “alegria” significa também potência de agir – diremos então que no percurso circular da varanda temos imagens de processos de transformações de sujeitos em produtores estéticos de novos mundos como a si mesmos.

Convidamos o visitante não para uma exposição de imagens mas para um laboratório do amanhã, onde processos revelam e refletem cada um como pertencentes à mesma condição humana líquida e luminosa, quase invisível, mas que habita as contradições do existir no mundo contemporâneo.

Luiz Guilherme Vergara

Curador/Diretor

Museu de Arte Contemporânea

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We open the 2013 season of exhibitions at MAC-Niterói with a dialogue between an international artist, Charif Benhelima (Brussels, 1967), son of a Moroccan father and Belgian mother, and the history of the Observatório de Favelas [Observatory of the Favelas], an initiative which began in 2001 in the Favela da Maré. The main room hosts five thematic touring series of Charif’s polaroids, curated by Daniella Geo and entitled “Images in Process”.  Meanwhile, on the veranda we have, symbolically, the “Processes in Images” from the Observatório de Favelas skirting the edges of the MAC with the landscape in the background. Before the magnificent view of the Guanabara Bay, visitors are offered a special path of empowerments of other voices from the large social and housing complex of the Favela do Maré, bringing to light the emergence of other aesthetic and artistic subjects as protagonists of the transfiguration of their own lives and worlds waiting to be shaped for the future. What does it mean to exhibit? This question is one that should accompany the very meaning of both these exhibitions – and, indeed, the museum itself and the world of art.

On the one hand Charif is at once a foreigner and a citizen of the globalised world, a passer-by and pedestrian of the conflicts between nomadism and non-belonging, oblivion and memory, that rule contemporary life. On the other, through his aesthetic and social investigations, from Harlem to the Semitic people, from lights to roots, he crosses layers of his age-old archaeology of Jewish origin. His focus picks up on currents of a transcultural aesthetic will that reveals through images invisible zones of migration and miscegenation. Charif makes the Polaroid an apparatus of the extension and reflexive construction of his subjective generation of fleeting fixations of himself in the time of the real and of the street, of the ambiguity of the lucid material of the world and its simulacra.

The processes in images of the Observatory that are exhibited in the veranda bring not answers but rather individuals’ reports and testaments of their own transformation. With the work and history of this Observatory, or to be more precise “laboratory of the future”, we offer the visitor a view over the microgeographies of joy as a form of transfigurations between the common place and art. If for Espinsa “joy” also meant the potential to act – we could say that the circular path followed around the veranda brings images of transformative processes of individuals into aesthetic producers of new world and themselves.

We would like to invite the visitor not to an exhibition of images, but rather to a laboratory of tomorrow’s world, where processes reveal and reflect each of us as belonging to the same liquid and luminous human condition, almost invisible, but inhabiting the contradictions of existence in the contemporary world.

Luiz Guilherme Vergara

Curator / Director

Contemporary Art Museum – MAC

Um dos maiores representantes da arte contemporânea da Bélgica na prática da fotografia, Benhelima a reafirma como objeto representacional aberto à crítica reflexiva. Seja aplicando à Polaroid 600 a abordagem documental da chamada “fotografia de rua” ou dedicando-se à lógica arquivista por meio da apropriação e reemprego de imagens preexistentes, o artista põe o próprio signo fotográfico em questão. Noções como verdade, documento e também identidade, origem, tempo, espaço, memória/esquecimento, obliteração são centrais à obra de Benhelima, cuja história familiar constitui-se de grandes lacunas.

Filho de pai marroquino e mãe belga, o artista ficou órfão aos oito anos. Cresceu no interior da católica Flandres ocidental e aprendeu sobre sua origem judaica sefardita já em idade adulta. Seu processo identitário diante das contradições, dos conflitos e da intolerância despertados pela diversidade cultural é a base de suas pesquisas. Embora de fundo autobiográfico, a obra de Benhelima ultrapassa as questões pessoais. É, ao contrário, formada e formadora de discursos sociopolíticos de dimensão universal, associados, em particular, à problemática da imigração e da discriminação, assim como da própria imagem – fotográfica e social – como construção. A noção de invisibilidade, visual e/ou simbólica, explorada nas diferentes séries, é aí fundamental.

Compostas, em grande parte, como espécies de abstrações figurativas, as polaroides de Benhelima são imbuídas de ambiguidade. A percepção do tempo, do espaço, do real e do simulacro é desestabilizada, e a subjetividade do observador perante as imagens, assim como as questões que elas levantam, assume seu papel construtivo diante de toda representação.

 Iniciada pelo Palais de Beaux-Arts (BOZAR), Bruxelas, a exposição “Charif Benhelima: Polaroids 1998-2012” chega ao MAC de Niterói, trazendo uma seleção de mais de 100 polaroides, divididas em quatro séries: Harlem on my mind: I was, I am (1999-2002), Semites (2003-2005), Black-out (2005 – ) e Roots (2008 – ). Ainda são apresentadas três obras em grande formato e um livro de artista, resultantes dessas pesquisas. Como em uma visita íntima ao ateliê do artista, esta exposição panorâmica oferece ao público acesso ao centro do processo artístico de Benhelima que, paradoxalmente pode ser visto como obra em si.

 Daniella Géo

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Since the end of Welcome to Belgium (1990–1999) – a project that addressed the feeling of not belonging, made in 35mm black and white film – Charif Benhelima (Brussels, 1967) has photographed almost exclusively with Polaroid film. The adoption of this self-developing photography, widely expected to be just a fleeting fad, marked a new phase in the artist’s creative process, drawing on the establishment of a new relationship with the act of photography – a much slower process with hardly any technical control, the result of which is unique and immune to touch ups. As if in the countercurrent of the abundance of digital images, Benhelima develops a new aesthetic, conceptual and, at times methodological, investigation in each series, with this “instant” media that enjoyed the peak of its popularity in the 1970s and 1980s. His studies establish relations with specific Polaroid features and make use of the technical limitation of the adopted amateur model, the Polaroid 600 (film and camera), giving shape to a complex and consequent work.

 One of Belgium’s leading exponents of contemporary art in photography, Benhelima reasserts his art as representational object open to reflexive criticism. Whether by applying the documental approach of so-called “street photography” to the Polaroid 600, or by focusing on an archivist perspective through appropriating and reusing preexisting pictures, the artist places the photographic sign itself at stake. Notions like truth, document and also identity, origin, time, space, memory/oblivion and obliteration are central to the work of Benhelima, whose family history is made up of big gaps.

 The son of a Moroccan father and Belgian mother, the artist was orphaned at the age of eight. He grew up in the countryside of the Catholic West Flanders and learned about his Sephardic Jewish origin when already an adult. The development process of his own identity in the face of the contradictions, conflicts and intolerance triggered by cultural diversity forms the basis of his photographic research. Although

deep-down autobiographical, Benhelima’s work goes beyond questions of a personal nature. On the contrary, it is formed by and forms sociopolitical discourse of a universal dimension, especially associated to the issues of immigration and discrimination, as well as image – both photographic and social – as construction. The notion of visual and/or symbolic invisibility explored in the various series is, therefore, fundamental.

 Largely composed as kinds of figurative abstractions, Benhelima’s Polaroids are imbued with ambiguity. The perception of time, space, the real and simulacrum is destabilised, and the observer’s subjectivity when faced with the images and the questions they raise assumes its constructive role before every representation.

 Initiated by the Palais de Beaux-Arts (BOZAR), Brussels, the exhibition Charif Benhelima: Polaroids 1998-2012 is presented at the MAC-Niterói, bringing a selection of over 100 Polaroid pictures, split into four series: Harlem on my Mind - I was, I am (1999-2002), Semites (2003-2005), Black-Out (2005 – ) and Roots (2008 – ). The exhibition also features three large-scale works, products of this research. Like an intimate visit to the artist’s studio, this panoramic exhibition offers the public the opportunity to access the heart of Benhelima’s artistic process, which paradoxically can be seen as a work of art in itself.

]]> http://www.macniteroi.com.br/?feed=rss2&p=1037 0 http://www.macniteroi.com.br/?p=1018 http://www.macniteroi.com.br/?p=1018#comments Sat, 20 Apr 2013 20:57:37 +0000 mac http://www.macniteroi.com.br/?p=1018

Em Roots (Raízes) – pesquisa derivada e complementar à Black-out –, Benhelima emprega “fotografia de rua” e sua estética da evanescência na observação de flores e vegetação em espaço urbano. Dois grupos de imagens compõem a série, Occupancy (Ocupação) e Memorial. Em Occupancy, o artista retrata a simbiose entre plantas e elementos construídos pelo homem (muros, postes, pavimentação etc.) ou entre plantas de diferentes espécies e origem, em referência à ocupação do espaço social e sua estrutura de interseções, de trocas e convívio, assim como à sua conformação por processos migratórios. A impressão de invisibilidade ou de vazio, porém, afeta a percepção tanto do espaço quanto de sua ocupação. Algumas vezes, enquanto o plano de fundo é aparente, o objeto central – flores, árvores ou folhagens – é mostrado como uma silhueta em negativo, parecendo estar como que recortado da polaroide. Presença ausente da própria imagem, o objeto central delimita e ocupa espaço, estabelece relações com os demais elementos, mas parece oco como impressões em baixo-relevo. Já em Memorial, vasos com flores aparecem evanescentes e quase completamente descontextualizados, chegando, por vezes, parecer flutuar em um fundo infinito. É como se Benhelima levasse o estúdio para o espaço público e tratasse seus elementos como natureza-morta. Memorial se difere, porém, do simbolismo mitológico ou religioso da natureza-morta tradicional, bem como da pura observação e exploração plástica dos objetos, típica do gênero. O uso estético de formas reduzidas ao mínimo pela dissolução de grande parte da estrutura física das flores refere-se, mais uma vez, à noção de memória/esquecimento, enquanto a vacuidade de contexto remete ao questionamento sobre as noções de origem, identidade, pertencimento etc. Apoiadas pelo título, as imagens sugerem tributo a alguém, a um evento ou ao que constitui a grande ausência evocada pelas imagens.

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In Roots – a study derived from and complementary to Black-Out – Benhelima applies “street photography” and his evanescent aesthetics to the observation of flowers and vegetation in an urban environment. Two groups of images make up the series, Occupancy and Memorial. In Occupancy, the artist portrays the symbiosis between plants and man-made elements (walls, lampposts, pavements etc.) or between plants of different species and origin, in reference to the occupation of social space and its intersecting framework of exchanges and living together, as well as to its formation through migratory processes.   The impression of invisibility or emptiness, however, affects the perception of both the space and its occupancy. At times, while the background is apparent, the central object – flowers, trees or foliage – is shown as a silhouette in negative, like a cut-out from the Polaroid photo. An absent presence from the image itself, the central object outlines and occupies space, establishing relations with the other elements, but seemingly hollow like low relief imprints. In Memorial, meanwhile, flower vases look evanescent and almost completely out of context, at times even seeming to float against an infinite background. It is as if Benhelima has taken the studio into public space and treated its elements as still life. Memorial differs, however, from the mythological or religious symbolism of traditional still life, or from the pure observation and plastic exploration of objects, typical of that genre. The aesthetic use of minimal forms by dissolving much of the physical structure of the flowers refers, once again, to the notion of memory/oblivion, while the vacuous context relates to questioning about notions of origin, identity, belonging etc. Supported by the title, the pictures suggest a tribute to someone, to an event or to what constitutes the great absence evoked by the images.

Benhelima volta a praticar a fotografia de rua. Desta vez, ao documentar edifícios, objetos, passagens, outdoors e, por vezes, transeuntes, o artista leva ao extremo a estética da invisibilidade, iniciada na série Semites. Em grande parte das imagens, pouquíssimo contexto é oferecido. O objeto central tem seu entorno quase ou completamente dissipado. Outras vezes, a imagem inteira é evanescente, como se estivesse no limite entre existência e não existência. Nesta série, Benhelima desconstrói ainda mais o que é documentado. Seu tratamento favorece a impressão de tempo suspenso e oblitera o potencial informativo da fotografia, ainda que as imagens minimalistas e próximas a um abstracionismo de Black-out reafirmem, paradoxalmente, sua capacidade descritiva. Ao olharmos atentamente, o que é retratado se define: poucas linhas nos deixam reconhecer uma cadeira e um pequeno dégradé de cinza em formato de pião revela a imagem de um pombo. Contudo, o excesso de luz, a exacerbação da impressão por contato dos referentes da imagem fotográfica são usados, conceitualmente, como processo de desinformação ou de apagamento. Black-out, como o título indica, alude a esquecimento, à perda de consciência e também à supressão de informação. A descontextualização, ou melhor, o esvaziamento da imagem causado por uma espécie de névoa é um indício de que (toda) a representação esconde o que lhe excede. O vazio é, aqui, o próprio contexto – é a identidade, a memória, a história deixados em aberto.

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Benhelima returns to practice more street photography. This time, registering buildings, objects, passages, billboards and, sometime, passers-by, the artist pushes to the edge the aesthetic of invisibility, initially represented in the Semites series. Several of the pictures offer very little in the way of contextual framework. The surroundings of the central object are almost or entirely faded away. In others, the whole image is evanescent, as if at the limit between existence and nonexistence. In this series, Benhelima further deconstructs what is documented. His treatment gives the impression of time suspended and obliterates the informative potential of photography, although the minimalist and almost abstractionist pictures of Black-Out paradoxically reassert its descriptive capacity. Looking closer, the objects portrayed are defined: a few lines allow us to recognise a chair and a small gradient of grey tones in the shape of a spinning top reveal the image of a pigeon. However, the overlighting, that is the exacerbated contact imprint of the photographic image’s referent is used, conceptually, as a process of disinformation or wiping out. Black-Out, as the title indicates, alludes to forgetting, to loss of consciousness, and also to the suppression of information. Decontextualization, or more precisely, the emptying off the image caused by a kind of fog, is a sign that (every) representation hides that which lies beyond. The emptiness is, in this case, the context itself – it is identity, memory, history left open-ended. 

Impulsionado pela descoberta, ainda em Nova Iorque, sobre sua origem judaica sefardita, Benhelima dá início, ao retornar à Europa, a uma pesquisa sobre os diferentes grupos de cultura semita. Como forma de, simbolicamente, ter acesso a um passado longínquo e fazer referência à história, o artista recorre à apropriação de imagens fotográficas originárias de arquivos, mercados das pulgas e álbuns de família – de desconhecidos e da sua também. Benhelima busca retratos de identidade e informais de indivíduos de cultura semita, reagrupando, assim, judeus e árabes. Ele inclui ainda dois retratos seus. Além das imagens antigas – de diversos períodos –, outras recentes compõem a série Semites (Semitas), como se, juntas, reestabelecessem o continuum temporal, de uma época remota até a atualidade. A noção de tempo linear, entretanto, é comprometida pela intervenção que Benhelima impõe às imagens apropriadas ao refotografá-las. Da mesma forma, as identidades individuais e dos diferentes povos semitas são ofuscadas. Nos retratos em polaroide, os traços físicos e de vestimentas são parcialmente encobertos, gerando uma estética da invisibilidade. Esmaecidas, as polaroides parecem estar desaparecendo. Ou, ao contrário, ainda se revelando: ao olharmos para elas, prolongadamente, começamos a distinguir alguns detalhes das fisionomias e, não raras vezes, temos a impressão de reconhecer um rosto familiar. Assim, observadas no presente, as imagens geram uma interseção temporal, que remete, ao mesmo tempo, ao passado e ao futuro, ao que foi e ao que está em formação. Esquecimento/memória, negação/reconhecimento, obliteração/preservação, diferença/semelhanças são questões postas em dialética. Semites é uma reflexão sobre a noção de origem, segundo uma história (cultural) comum – a semita, em particular – assim como sobre as potencialidades do passado, projetadas tanto em nosso presente, quanto no futuro.

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Driven by the discovery he made while still in New York of his Sephardic Jewish roots, upon returning to Europe Benhelima begins his studies into the different groups of Semitic culture. As a way to symbolically gain access to a distant past and make historical reference, the artist resorts to appropriating photographic images from archives, flea markets and family albums – both of strangers and his own. Benhelima seeks identity photos and casual portraits of people of Semitic culture, thus regrouping Jews and Arabs. He also includes two pictures of himself. As well as the old pictures – which date back to various periods – other more recent photos compose the series Semites, as if together they reestablished the time continuum, from distant times to the modern day.   The notion of linear time, however, is compromised by Benhelima’s intervention in the appropriated images when rephotographing them. Likewise, the identities of the individuals and of the different Semite peoples are clouded. In the Polaroid pictures, physical traits and clothing are partially covered, giving them the impression of invisibility. These faded photos seem to be disappearing. Or else, perhaps, in the process of development: when we look at them for a little longer we start to distinguish details of the figures and, not infrequently, have the feeling of recognising a familiar face. Thus, seen in the present, the images generate an intersection in time, which simultaneously refers to the past and the future, to what has been and to what is in formation. Oblivion/memory, denial/recognition, obliteration/preservation, difference/similarity are all questions proposed in the dialectics. Semites is a reflection on the notion of origin, according to a common (cultural) history – that of the Semitic people in particular – and on the potentialities of the past, projected into both our present and the future.

Esta série marca um recomeço na trajetória artística de Benhelima, que se muda de Antuérpia, Bélgica, para Nova Iorque e reside, três anos, no bairro do Harlem. Passa a fotografar com Polaroid 600 (filme e câmara), empregando a essa mídia amadora a prática da chamada “fotografia de rua”, gênero ao qual já havia se dedicado em seu trabalho anterior. Entretanto, a estética antes mais econômica dá lugar a reflexos, contraluzes, silhuetas, sombras, imagens bipartidas, juntamente com o foco suave característico da Polaroid. Mesmo que figurativas, suas imagens beiram, por vezes, a abstração. Muitas delas parecem ainda se encontrar em uma interseção temporal; ao primeiro olhar, remetem-nos a um passado mais distante do que nos revelam certos índices de contemporaneidade, como na polaroide aparentemente antiga, que mostra um homem velho sentado, cujo tênis e a pichação, na parede ao fundo, nos levam à atualidade. A ambiguidade manifesta dessas imagens lida com a percepção do observador ao colocar em questão a própria representação. A série evoca a problemática da marginalização sem exotismos, a abordagem de Benhelima se insere em uma via dupla, fundamentada pela projeção de si mesmo no outro e pelo espelhamento do que imagina ser a experiência alheia. Ironicamente, diante da comunidade do Harlem – de maioria negra e, historicamente, alvo de racismo – pela primeira vez, seu nome, de origem semita, não era percebido como negação de sua cultura e nacionalidade belga. Mais do que documentar o bairro, Harlem on my mind: I was, I am (Harlem em minha mente: Eu fui, eu sou) representa um sentido de instabilidade, incerteza e transição de processos identitários constantemente cotejados.

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This series marks a turning point in Benhelima’s work, as the artist moved from Antwerp, Belgium to  New York, where he has lived in Harlem for three years. He began to take photographs with a Polaroid 600 (film and camera), employing this amateur media for street photography practice, a genre he had already focused on in his previous project. However, the previously economic aesthetic gives way to reflections, highlights, silhouettes, shadows, bipartite pictures, together with the flou typical of Polaroid photography. Although figurative, at times his pictures border on abstraction. Several of them also seem to be positioned at an intersection of time: at first glance, we are taken back to a more remote past than is revealed to us by certain indices of contemporary society. For instance, in the apparently old Polaroid, which shows an elderly man sitting, with his sneakers and the graffiti on the wall in the background bringing us back to the modern world. The manifest ambiguity of these images deals with the observer’s perception upon tackling the representation itself. The series evokes notions about the issues of marginalization without any exoticism, Benhelima’s approach is inserted in a two-way channel, based on the projection of himself in the other and the mirroring of how he imagines the other’s experience. Ironically, in view of the Harlem community being predominantly of African descent and historically the target of racism, for the first time his name, of Semitic root, was not perceived as a negation of his Belgian culture and nationality. More than merely documenting the neighbourhood, Harlem on my mind: I was, I am represents a sense of instability, uncertainty and transition of identity processes under constant comparison.

Imagem em processo. Charif Benhelima: Polaroids 1998-2012 apresenta um panorama da obra em Polaroid de Charif Benhelima, grande expoente da arte contemporânea belga. Iniciada pelo Palais de Beaux-Arts (Bruxelas) e aclamada pela crítica internacional, a exposição chega ao MAC de Niterói, trazendo 128 Polaroids divididas em quatro séries, e oferece ao público a oportunidade de observar o processo de trabalho de Benhelima.

Curadoria: Daniella Géo e Christophe De Jaeger

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Sobre Charif Benhelima

Museu como Laboratório do Amanhã / The Museum as a Laboratory of the Future

Harlem on my mind: I was, I am

Semites

Black-Out

Roots

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